MusicAeterna Αθεατρον: музыка слов и эхо античности
Театральное направление при оркестре musicAeterna
В этом сезоне оркестр и хор musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса отмечают своё двадцатилетие. Со дня первого концерта в далёком 2005 году в Новосибирске коллектив внушительно разросся. После нескольких лет, проведённых уже в Пермском театре оперы и балета, получив поддержку крупнейших российских спонсоров, musicAeterna обосновалась в самом центре золотого сечения Петербурга — в Доме Радио, знаменитом здании на углу Итальянской и Малой Садовой улиц. Зародившаяся здесь в 2019 году творческая резиденция musicAeterna заметно обогатила культурный ландшафт города. Петербуржцы приходят в Дом Радио на просветительские лекции и концерты экспериментальной музыки, на занятия в любительские хор «Распев» и танцевальную группу «Пляс», на встречи с легендарными практиками театра и музыки, и всё это бесплатно. Конечно, сверхпопулярны и камерные концерты в исполнении музыкантов musicAeterna. А в последние годы при непосредственном художественном руководстве Теодора Курентзиса на базе Дома Радио были основаны труппа современного танца MA Dance и театральное направление Αθεατρον (Афеатрон), в рамках которых выходят драматические и танцевальные спектакли, перформансы, а также театрализованные концерты.
Многие музыкальные критики отмечают, что в манере Курентзиса дирижировать есть что-то театральное. Не только в его экспрессивной, почти танцевальной пластике рук – дирижируя, он словно совершает некий ритуал. К тому же невероятная популярность Дягилевского фестиваля под художественным руководством Курентзиса красноречиво свидетельствует не только о его глубоком понимании музыки, но и об особом чувствовании современных театральных процессов и тенденций. Потому создание собственных театральных трупп на базе оркестра видится органичным развитием экосистемы musicAeterna.
Одним из самых молодых направлений развития стало создание в 2023 году проекта Αθεατρον (Афеатрон). Термин Αθεατρον не имеет прямого аналога в русском языке. Его можно объяснить как особый вид театрального опыта, лишённый привычного зрелища, нечто, что выходит за рамки традиционного представления о театре. Куратор проекта musicAeterna Αθεατρον Елизавета Мороз видит суть этого направления в отказе от жанровых ограничений. Кроме того, в рамках проекта не только выпускаются драматические спектакли, но также проходят просветительские лекции, встречи с мэтрами театра, как, например, круглый стол с участием Анатолия Васильева и Теодора Курентзиса, проводятся воркшопы от профессионалов профессионалам, лекции для зрителей от практикующих режиссёров, драматургов, художников. Первой драматической премьерой Αθεατρον стала постановка Елизаветы Мороз «Дом 2/27» — спектакль-посвящение Дому Радио.
Здание на Итальянской, 2/27, когда-то было построено для Благородного собрания, которое в нём, как ни странно, не разу не собралось. За 110 лет существования этот дом занимал сначала лазарет японского отряда Красного Креста в годы Первой Мировой, а некоторое время спустя — и русский госпиталь. После революции в здании расположилась организация «Пролетарская культура», а с середины 1920-х — кинотеатр «Колосс». С 1933 года вплоть до 2010-го в здании базировалось легендарное «Ленинградское радио», эфир которого во времена блокады Ленинграда организовывал повседневную жизнь горожан и укреплял их дух: среди новостных сводок с фронта по радио передавались знаменитое исполнение оркестром филармонии Седьмой симфонии Шостаковича и регулярные поэтические передачи Ольги Берггольц. Все эти исторические события легли в основу спектакля «Дом 2/27».
Вместе с драматургом Ольгой Потаповой и композитором Кириллом Архиповым Елизавета Мороз сочинила музыкальную фантасмагорию, стилистически неоднородную, но дерзкую на творческий поиск. Постановщиками особенно подчёркивалось, что спектакль противоположен документальному, хотя и основан на фактах из истории здания. Главными героями стали безымянные Он и Она, наши современники, которые, путешествуя по вехам истории Дома Радио, ищут, теряют и вновь находят друг друга, попутно пытаясь осознать своё собственное место в мире. Воспроизвести исторические события помогает хор драматических артистов, который был собран наподобие оперного миманса. Но если юных главных героев играли такие же молодые, начинающие актёры Анастасия Балуева и Евгений Шолков, то хор был собран из уже состоявшихся артистов театра и кино, среди которых можно было заметить ведущую артистку Александринского театра Янину Лакобу и популярного у публики независимых театров актёра Женю Анисимова.
Хор на протяжении всего действия был посредником между исторической реальностью и главными героями, которые хаотично перемещались по таймлайну. Отправной точкой путешествия героев стала сцена в японском госпитале, где артисты хора задали размеренный темп действию. Затем, перескакивая десятилетия, они оказались на футуристичной вечеринке Дома Радио с несуразными танцами артистов хора, завёрнутых в фольгу. Оттуда герои вернулись в эпоху, когда в здании ежедневно читала свои стихи Ольга Берггольц: поэтессу воплощали одновременно драматическая артистка и канатоходка, которая балансировала высоко над сценой. В кульминационный момент действия главные герои оказались в ледяном 1942 году, когда в стенах Дома Радио разворачивалась подготовка к трансляции Седьмой симфонии Шостаковича, ставшей символом несгибаемости духа ленинградцев. Опытные артисты «страховали» новичков театральной сцены: режиссёр возложила на молодых актёров труднейшую, подчас непосильную задачу — объединить в стройную повествовательную линию разрозненные фрагменты исторических событий, потому именно хор, олицетворяющий собой сам ход времени, становился центром зрительского внимания.
Фото: Люда Бурченкова
Спектакль шёл в Студии им. Шостаковича — зале, в котором в наши дни проходят репетиции оркестра, а также даются концерты солистов. Всё обширное пространство художник Тимофей Рябушинский задрапировал сотнями метров целлофановой плёнки, в очертаниях которой угадывался не то образ шатра полевого госпиталя, не то складки театрального занавеса. Полупрозрачный материал мягко преломлял свет и делал очертания действующих лиц и предметов сценографии (например, многочисленных манекенов у задника) расплывчатыми, похожими на призраков прошлого. Ощущение завёрнутости сцены в подобие кокона, которое создавалось целлофановой драпировкой, поддерживалось пространственным саунд-дизайном: источники звука располагались по всему периметру зрительного зала. Композитор Кирилл Архипов сочинил «голос» Дома Радио из архивных записей, которые он соединил с электронными композициями и лаконичным ансамблем из терменвокса, аккордеона и ударных. Главным лейтмотивом спектакля стала фраза, хоть и не музыкальная по роду, но связанная с музыкой идейно. В нескольких эпизодах герои признавались друг другу: «Я боюсь тишины. Тишина — это смерть». Музыка и звук в частности, которая более чем за столетие существования Дома Радио так плотно вплелась в ДНК этого здания, стала для авторов и героев спектакля незримой силой, способной преодолеть хаос времени и стать опорой в поисках своего жизненного и творческого пути, а сам дом по адресу: Садовая, 2 / Итальянская, 27 — местом, миссией которого стало сопротивление тишине, убивающей дух.
После первой полноценной драматической постановки в рамках Αθεατρον состоялась премьера спецпроекта Дома Радио «Вечернее собрание Марины Цветаевой». Елизавета Мороз поставила театрализованный концерт с Яниной Лакобой в главной роли, нарратив которого составлялся из песен на стихи поэта. Композиции написали композиторы-резиденты Дома Радио: Андреас Мустукис, Алексей Сюмак, Егор Ананко, Виктория Харкевич, а также Кирилл Архипов, Вангелино Курентзис и Теодор Курентзис. В этой работе Елизавета Мороз стремилась показать зрителям уязвимую, двойственную фигуру Цветаевой.
«Пространственное решение спектакля сразу обозначило конфликт между героиней и миром вокруг. Героине нет места в этом пространстве, нет сцены, чтобы её услышали и увидели. Одной из задач актрисы в рамках музыкального вечера являлось показать существование (выживание) поэта там, где её совсем не ждали. Музыкальные номера продолжали, иногда перебивали или вторили мыслям героини. Для меня было особенно важно, чтобы мы смогли наблюдать за тем, как Янина Лакоба бессловесно существовала в эти моменты, то соглашаясь, то резко протестуя, будто поэт слышала свои стихи в чужом исполнении», — рассказывает об этом проекте режиссёр.
Фото: Саша Перова
Затем в декабре 2024 года Αθεατρον выпустил свою версию древнегреческой трагедии «Антигона», которая стала событием как для музыкального, так и для театрального Петербурга. Режиссёр и композитор Александр Белоусов в своей постановке объединил артистов сразу нескольких выдающихся коллективов города. Вместе с музыкантами оркестра и хора musicAeterna на сцену вышли актёры Александринского театра (Ольга Белинская — Антигона), БДТ им. Товстоногова (Варвара Павлова — Чтец, Мария Сандлер — Исмена) и независимые театральные художники (Джулиано Ди Капуа — царь Креонт).
Белоусов предложил зрителям оригинальную, местами неожиданную мелодическую интерпретацию античного текста: музыкальная форма, рождённая из григорианских хоралов, представляла собой синтез храмовой музыки, современного академизма и жанров популярной музыки, к примеру хип-хопа. Оркестр под управлением дирижёра Ольги Власовой исполнял музыку строго, аскетично, мастерски лавируя между разнообразными стилями композиции. Приятно удивило приглашение на одну из главных ролей Джулиано Ди Капуа, который уже многие годы посвящает себя исключительно режиссёрскому ремеслу и руководству своим театральным проектом «Театро Ди Капуа». Для образа царя Креонта Ди Капуа сочинил интересный пластический рисунок — его античный властитель получился противоречивым, эксцентричным, дерзким. Необычным стало решение режиссёра Александра Белоусова «раздвоить» образ главной героини трагедии. Роль Антигоны исполнили одновременно артистка Александринки Ольга Белинская и солистка хора musicAeterna Элени-Лидия Стамеллу. Погружению в античный текст способствовало и место проведения премьерных показов: «Антигона» вышла в амфитеатре креативного пространства «Ленполиграфмаша», архитектура которого прямо цитирует устройство древнегреческого театра. Примечательно, что исполнительницы главной роли выходили на сцену из первого ряда полукруглого склона — так дополнительно подчёркивалась тесная связь Антигоны с народом.
Фото: Агата Прокопенко
Трагедия Софокла не теряет своей актуальности в течение 25 веков по многим причинам, среди которых можно назвать и неразрешимый, «вечный» вопрос о том, кто же является главным персонажем пьесы: Антигона, которая отстаивает законы божественные, ставит превыше всего традиции своего народа и семьи, или царь Креонт, который защищает закон земной, юридический, и которому, к слову, отдано гораздо больше сценического времени? Выбранное постановщиком «раздвоенное» решение образа Антигоны вывело именно её в центр действия. Также это позволило команде спектакля раскрыть трагедию главной героини буквально с двух сторон. Белинская средствами драматического театра создавала внешний образ героини. За внешней женственностью и кажущейся мягкостью её Антигоны скрывалась несгибаемая воля, жёсткость характера и спокойствие, порождённое твёрдостью моральных принципов. А таинственное, гипнотическое сопрано Стамеллу выражало внутренние переживания и эмоции главной героини. Ценно и то, что свою партию Элени-Лидия, гречанка по происхождению, пропевала на древнегреческом языке — это стало не только радостью для исполнительницы, но и редким шансом для зрителей услышать оригинальное звучание античного текста. Такая сложная архитектура главного персонажа обернулась главной удачей постановки.
«Антигона» стала первой премьерой в задуманном цикле «Театр голосов», спектакли которого будут объединены общей сценографической концепцией. Особое внимание в грядущих постановках цикла будет уделено античному тексту, голосу, интонациям и звуку. Повторные показы «Антигоны» запланированы в первом полугодии 2025 года, после которых постановка выйдет в формате полноценного аудиоспектакля.
