Премьера мюзикла «Человек, который смеётся» по мотивам одноимённого романа Виктора Гюго состоялась в Москве ещё в 2022 году. Сегодня постановка претендует сразу на две награды премии «Золотая маска»: номинированы и сам спектакль, и режиссёр Руслан Герасименко. Его мюзикл — часть лицензионного проекта The Grinning Man, принадлежащего британской компании Concord Theatricals Ltd. В Россию вариант мюзикла привезла продюсерская компания Creative Lab STAIRWAY. О постановке пишет Анастасия Панчук. 

В британской постановке спектакль называется The Grinning Man («Ухмыляющийся человек»). В сравнении со своими «собратьями» — другими мюзиклами по произведениям Гюго, которые звучат со сцены не один десяток лет, «Ухмыляющийся человек» — новичок. Его премьера состоялась в 2016 году в Бристоле, затем постановка переехала на Уэст-Энд, где получила положительные отзывы критиков. В Москву мюзикл попал в октябре 2022 года. Впервые его показали во Дворце на Яузе, а в преддверии вручения премии «Золотая маска» — на сцене Театра Гоголя; в конце апреля 2024 года петербургские зрители смогут увидеть спектакль в ДК «Выборгский». 

«Человек, который смеётся» — история о юноше по имени Гринпейн, ярмарочном актёре, чьё лицо было изуродовано в детстве. В романе героя зовут Гуинплен, но Андраник Петросян (один из исполнителей этой роли) рассказывал Musical Universe, что в спектакле его имя состоит из двух слов: grin и pain («ухмылка» и «боль»). Молодой человек приезжает в Лондон вместе с маленькой труппой бродячих артистов: своим названым отцом Урсусом, слепой сиротой Деей и домашним волком Моджо (в романе — Гомо). Ежедневно они выступают на Трафальгарской площади, рассказывая зевакам историю Гринпейна. Героя (и мюзикла, и разыгрываемого персонажами «спектакля в спектакле») терзает вопрос: «Кто украл моё лицо?» Одержимый тайнами прошлого, в погоне за правдой он попадает в алчный мир аристократии. 

Поднимается занавес, по форме напоминающий небрежно зашитую улыбку. Над сценой-кругом висят четыре деревянных креста. 3D-экран транслирует туманную улочку Лондона. Тусклый белый свет создаёт впечатление, что всё находящееся на сцене, включая людей, лишено красок. Руслан Герасименко не только режиссёр, но и исполнитель одной из главных ролей — королевского лакея и шута Баркильфедро, который знакомит зрителей с историей и героями сюжета — от членов правящей династии до бродячих артистов. В спектакле, построенном на контрасте, чёрная комедия соединяется с болезненным реализмом. Актёры изображают марионеток: у них ломаные, лишённые жизни движения. Они смеются, но их смех звучит пугающе. Мюзикл погружает зрителя в мрачную атмосферу Лондона начала XVIII века с его нищетой, грязью, неоготическими постройками, средневековой музыкой богослужений…

На сцене минимум декораций (художник-постановщик и художник по костюмам — Вера Никольская). Посередине стоит деревянный фургон на колёсах, в котором живут главные герои — Гринпейн (Ярослав Баярунас), Дея (Дарья Январина), Урсус (Денис Сарайкин) и волк Моджо (Андрей Абельцев). Постройка служит не только жилищем, но и театром, где показывают уличные представления. Со сменой сцен фургон раскладывается на четыре части и превращается то в деревянный помост, то в причал, то в церковный алтарь и темницу. 

Трупы, свисающие с крестов, готический витраж создают мрачную, угнетающую атмосферу действия. В игре света холодные оттенки снежной бури сменяются тёплыми тонами храма (художник по свету — Андрей Абрамов). На общее восприятие работают грим и костюмы. Несмотря на разнообразие цвета (оттенков фиолетового, красного, синего), костюмы намеренно выглядят потускневшими и пыльными, стирают зримое разделение между богатством и бедностью: неважно, кто перед нами — аристократ или торговец, если его жизнь превратилась в жалкое существование. И в то же время костюмы подчёркивают особенности героев. Например, слепоту Деи: её платье выдержано в серо-голубой гамме. Она никогда не сможет увидеть этот мир, и поэтому краски вокруг неё особенно блёклые. 

В гриме персонажей есть что-то нарочито бёртоновское: неестественно выбеленные лица как дань эпохе, застывшая в волосах седина. Тёмные тени легли вокруг глаз актёров, выделены скулы и лобные кости. В героях больше страданий и боли, чем жизненной энергии, и художник по гриму Мария Карибская акцентирует это. 

В первом акте жизнь персонажей переплетается с театральным представлением, которое они разыгрывают для лондонских зевак. Гринпейн и Дея управляют куклами на потеху публике, но играют самих себя. Так, благодаря «спектаклю в спектакле», зритель узнаёт о прошлом главных героев. В «Человеке, который смеётся» куклам отводится особое значение. Они не только олицетворяют самих героев, но и являются масштабной метафорой. В самом деле, люди в этом мире — лишь предметы для игры высших слоёв общества: людьми-куклами удобно руководить. Народ понимает своё положение: в самой же первой сцене они изображают марионеток, управляемых шутом Баркильфедро. А вскоре он сам становится «марионеткой» принцессы Джозианы ( у Гюго — герцогиня), развращённой нравами двора. С помощью кукол главные герои говорят и о своей любви: разыгрывая сказку «Красавица и чудовище», они вкладывают в слова персонажей свои истинные чувства. 

Нельзя не отметить актёрскую работу Андрея Абельцева, который исполняет роль волка Моджо — верного спутника Деи, заменившего ей дар зрения. Волк представлен в виде ростовой куклы, сотканной из тёмно-серых скрученных лоскутков и обрывков ткани. Лицо актёра скрыто за капюшоном. Моджо рычит, воет, скулит. К концу первого акта создаётся впечатление, что волчьи глаза, блестящие в темноте, выражают глубокое понимание происходящего, — так игрушка кажется более живой, чем люди, населяющие этот мир. 

Руслан Герасименко выделяет важные для понимания текста Гюго темы и говорит о вневременных, общечеловеческих ценностях. В частности — о прощении. Тот, кто сломал судьбу Гринпейна, не может понять, почему юноша производит на окружающих чарующий эффект: принцесса Джозиана влюбляется в «уродца», а её сводный брат Дэвид смотрит каждое его представление. В конце концов Гринпейн не расправляется со своим обидчиком, а, не поддаваясь жестокости, от которой сам страдал всю жизнь, прощает его. Чудо случается, и оно трогает зрителя, склонного проводить параллели с собственной жизнью, социальной и политической обстановкой в мире. 

Персонаж Руслана Герасименко, королевский шут Баркильфедро, неоднозначен, он задаёт тон всему спектаклю. Именно он приглашает зрителя отправиться в путешествие, чтобы услышать рассказ «столь ужасный, но в то же время и столь необычайно возвышенный...». Артист завораживает зрителя интонационной игрой: от бархатистого грудного звука до поджатого хриплого голоса с использованием вибрирующих голосовых складок, или, иначе говоря, «фрая». Баркильфедро двигается плавно, размеренно и немного театрально. С одной стороны, он — шут, который должен развлекать, а с другой — Баркильфедро очень устал от жизни. Он потерял веру в людей, надежду на чудо и утратил радость существования. Единственное, что его волнует  — желание обладать титулом лорда. 

Во втором акте действие по большей части переносится в стены дворцовых сводов. А «куклы» начинают оживать и раскрываться, они обнажают перед зрителем свои душевные раны. 

Гринпейн Ярослава Баярунаса не позволяет эмоциям брать над ним верх, а борется с ними. Его персонаж объединяет в себе несколько архетипов: потерянного ребёнка, влюблённого юношу и человека, стремящегося к цели, — героя. На протяжении всего действия он находится в состоянии внутреннего конфликта. Цепляется за отрывки прошлого, не в силах жить в настоящем. Он потерян, опустошён. В арии «Лабиринт», которую Гринпейн исполняет в начале второго акта, полностью раскрывается его сложная внутренняя жизнь. Баярунас начинает арию на субтоне, больше в речитативе, что приближает его исполнение к диалогу со зрителем. За счёт этого он добивается начала повествования истории и погружает зрителя в свой рассказ («Угрюмых улиц мрачный лик / Укрыл в объятиях своих / Лабиринты памяти моей…»). Постепенно с меньшей плотности смыкания он переходит в плотный, «мюзикловый» микст, а благодаря «притванговыванию» создаёт мощное звучание («Ведь за гримасой фрика не видит никто / Болью обожжённое сердце моё…»). Ярослав использует преднамеренные «брейки», а дополнительную окраску его вокалу даёт расщепление на высоких нотах, возникающее за счёт вестибулярных складок («Но призрачное счастье свело меня с той, / Что может в маске ужаса видеть любовь…»). В «Лабиринте» этот приём подчёркивает боль, пронзающую персонажа. А в самом конце арии артист «закрывает» ноты, чтобы удержать давление и плавно сменить динамику. 

Игорь Скрипко в роли взбалмошного лорда Дэвида находчив, органичен и свободен на сцене: он существует не только в ограниченных рамках мизансцен. Когда во время рассказа о детстве главного героя у шарнирной куклы Гринпейна отвалилась голова, Дерри-Мойр, он же Дэвид, среагировал машинально, спросив Урсуса: «А так и должно быть по сценарию?» На это он получил такой же беззаботный ответ: «Конечно, он же сломленный».

Стоит признать, что Денис Сарайкин, исполнитель роли Урсуса, не обладает выдающимися вокальными данными, но слушать его приятно. Артист берёт актёрской харизмой, и когда он поёт, создаётся впечатление, что его персонаж должен звучать именно так. 

На первый взгляд кажется, что вместить огромный литературный материал в мюзикл невозможно. Но авторам «Человека, который смеётся» удаётся извлечь из сюжета опорные точки, сохранив при этом основную конструкцию романа и раскрыв сюжетные линии каждого героя. Музыкальное переложение текста помогает проникнуться к персонажам и разделить их страдания — от переживаний Деи за любимого человека до жажды власти Баркильфедро. Во многом это достигается за счёт элементов фантастического. Так, в сцене, когда маленький Гринпейн видит повешенного контрабандиста, труп преступника внезапно оживает и начинает петь наравне с другими персонажами. В романе герою казалось, что труп говорит с ним, но то лишь порывы ветра создавали такое ощущение. В мюзикле эта сцена демонстрирует ужас, который в тот момент охватил маленького брошенного мальчика. 

Сегодня мюзикл может освоить любой литературный первоисточник, к тому же он давно вырос из репутации исключительно развлекательного жанра. Мюзикл «Человек, который смеётся» — это чёрная комедия, поднимающая социальные темы и претендующая на звание удачной и правдоподобной сценической интерпретации романа.

Фото предоставлены продюсерской компанией Creative Lab STAIRWAY