Ещё ближе к весне

Открыл фестиваль «Театр Доктора Дапертутто» спектаклем по произведениям Аркадия Аверченко «День человеческий» в режиссуре Валерия Малышева.

В пространстве затемнённой сцены появляется герой – рассказчик (Дмитрий Кинге). Завершая на печатной машинке новый рассказ, он учтиво удаляется и оставляет зрителя наедине со своими героями. Калейдоскопом закручиваются сюжеты автора, сменяя одну комически-сатирическую ситуацию другой. Свалившийся как с небес на голову страховой агент Цацки (Александр Кудасов) проникает в дом ничего не подозревающего домоседа и холостяка в исполнении Ивана Коновалова. Цацки наверняка часто становится работником месяца в своей конторе, ведь его рвение всучить, продать, застраховать доводит хозяина квартиры до приступа головной боли. На одно «нет» у Цацки есть тысячи «да». Пистолет, направленный в его грудь почти рыдающим визави, становится лишь поводом продемонстрировать новые бронежилеты фирмы. Цепкость взгляда, изворотливость и назойливость агента точно схвачена актером Александром Кудасовым — бедному домоседу уже и нечего противопоставить такой акуле бизнеса. Герой Ивана Коновалова сам готов застрелиться, лишь бы не слышать о процентах и векселях по страховке.

Горе тому, кто попадёт в руки героев следующей истории. Пришедший к ним за справкой человек вмиг оказывается новоиспечённым пациентом на операционном столе. Речь идёт об «опытных докторах» (Илья Бирюков и Дмитрий Кинге), что проводят свои операции за ширмой. Театр теней скрывает все подробности врачебной практики от зрителя, подчеркивая главное — халатность, неаккуратность их действий, доводящих до абсурдных ситуаций. 

Ключевым акцентом спектакля стала игра Ильи Бирюкова в отрывке «Петухов», где накалённая смехом сцена остужается искренней грустью главного героя. На контрасте подчёркивается серьёзность человеческого восприятия, согласно которому смех — уже не самоцель, а способ самоанализа. Понять, над чем смеёшься, и сделать выводы – вот инструмент, необходимый человеку, и ярче всего эта мысль в спектакле раскрывается благодаря игре Ильи Бирюкова. 

В этот же день «Театр юного зрителя» (Заречный) показал спектакль «Счастье моё» по мотивам повести А.П. Чехова «Чёрный монах». Постановка Анастасии Прониной переживает множество жанровых метаморфоз, объединённых таинственным определением docsaundrama. Сценографическое оформление отличается наполненностью цветом (сочетание красного и серого) и в то же время опустошённостью пространства. Тишина деревеньки-сада, куда приехал лечить нервы Андрей Коврин (Виталий Гришкин), оглушительна. Рыдания Тани (её играют две актрисы — Татьяна Иванова и Софья Жидкова) подхватывает и равнодушно разносит дальше бесприютное эхо. Режиссёр помещает героев в пространство абсолютно холодное. Пол засыпан землёй, но она не приносит плодов. За ней, конечно, ухаживает отец Тани, Егор Семёныч (Михаил Тихомиров), то и дело в сгорбленном состоянии распыляя на землю воду из пульверизатора. Но есть ли в этом смысл? Поразительна сцена отчаянной предсвадебной пляски Андрея, Тани и Егора Семёныча на мёртвой земле. Чем больше рассеянности в глазах героев, тем более отчаянным становится их топотание. А что же означает название спектакля? И существует ли вообще счастье в мире, созданном А. Прониной? Ответ у каждого будет свой. 

 На следующий день в Пензе были показаны спектакли московского «Театра на песке» и пензенского театра «Слово», а жители Заречного могли посмотреть постановку театра драмы и комедии «ФЭСТ» в постановке Максима Ладо «Космос, нервная система и шмат сала». 

Документальный спектакль московского «Театра на песке» подарил пронзительное путешествие в мир воспоминаний о тяжёлом военном и послевоенном времени. В основу спектакля легло интервью Анатолия Антоновича Скринникова, чьё детство пришлось на годы Великой Отечественной войны. «Мы рисуем истории на песке» — так определяет специфику театра Алексей Ермаков, актёр, исполняющий роль чтеца.  С первыми крупицами песка, складывающимися в картину мирной жизни под руками художницы Екатерины Шеффер, начинается создание художественного мира. Песочные картины сменяют друг друга, как кадры старой киноленты, создавая эффект мимолётности. Вот-вот была картина ясного погожего дня, напоминающая рисунок с «солнечным кругом» одного мальчишки, с большими спокойными деревьями… Несколько мгновений — и мы видим на экране стремительно летящие самолёты и убегающих в панике людей. Фотоподборка, завершающая рассказ-воспоминание А.А. Скринникова, объединяет детские фотографии, сделанные в военное время, с лицами детей, чья память не застала ужасы войны. Спектакль дарит надежду на светлое будущее, которое возможно, если помнить своё прошлое. 

В программу также был включён городской променад «Легенды Пензы» от театра «Слово». Благодаря актрисе Ларисе Пановой история города воспринималась на уровне живой драмы прошлого, а не сухих фактов. Пока пензенские зрители принимали участие в городском променаде, жители Заречного готовились к просмотру спектакля «Космос, нервная система и шмат сала» в режиссуре Максима Ладо. 

Сочетание несочетаемого в рассказе Василия Шукшина придаёт определённую свободу, ведь, возможно, именно этот лакомый кусочек сала и поможет маленькому Юрке (Наталья Ларюнина) подольше посидеть за книжками и почитать интересную статью о нервной системе, космосе, судьбе великих учёных. На голодный желудок «голова кружится», а, пообедав, можно и очередной фолиант достойно одолеть. История о юном мальчике, который мечтает о будущем учёного и спорит с пожилым Наумом Евстигнеевичем о пользе образования, завершает этот спектакль, ставя многоточие для размышления о грёзах и насущном. А этой серьёзной ноте предшествуют ещё четыре самостоятельных рассказа, герои которых буквально и фигурально заплетаются в большое одеяло. За счет мизансценических приёмов одеяло «становится живым»: то охватывает планшет сцены, превращая его в кровать для героев, то, наоборот, возвышается, крепясь к штанкете и приоткрывая тёплый угол печки. Спектаклем движет оглушительная действенность. Павел Конивец и Наталья Ларюнина за полтора часа сменяют пять образов. Этот дуэт способен заменить целую труппу по богатству актёрского наполнения. 

Персонажи в исполнении Павла Конивца становятся более устойчивой линией в спектакле: образы объединены «мужицкой» прямолинейностью, некой кондовостью, но нельзя сказать, что они лишены и глубоких чувств, – в каждом герое актёр раскрывает тонкие душевные струны и снимает оболочку грубоватости. А персонажи в исполнении Натальи Ларюниной, наоборот, подвижны даже во внешнем облике, что сразу определяет манеру поведения нового образа. Становясь то молодой девушкой, то маленьким старичком, то и вовсе превращаясь в мальчика Юрку, она задаёт тон предстоящего рассказа. 

Фестивальный вечер в Пензе завершился спектаклем «Последняя в мире любовь» театра «Слово». В основу легла история любви Владимира Маяковского и Татьяны Яковлевой. В постановке Павла Тачкова нет ни единого прописанного диалога или монолога. Спектакль живёт двумя стихиями: стихотворной и музыкальной.  Тачков, исполняющий роль Маяковского, воплощает на сцене не столько самого поэта, сколько его миф — самовлюблённого, надрывного, эксцентричного. Под стать поэту Татьяна Яковлева в исполнении Алёны Босолаевой. За томными взглядами и манерностью, которыми наделяет актриса свою героиню, проглядывает что-то хрупкое, почти девичье. 

Главная сила постановки — в буквальном смысле в её звучании. Ансамбль «Старгород» становится сердцем спектакля, его пульсирующей энергией. Михаил Кокорин (домра), Татьяна Кокорина (домра, альт), Александр Ивлиев (балалайка-контрабас), Михаил Чепышев (баян) есть олицетворение единения с инструментом. Их исполнение — то сгущённое напряжением с выходом в резкость, как строки Маяковского, то пронзительно-лирическое, как сама душа поэта. 

И вот фестивальную эстафету перенимает город Кузнецк. Московский «Театр на песке» показал кузнечанам спектакль «Удивительные путешествия озорника». Поучительную сказку о судьбе индийского сорванца поведает рассказчик (Алексей Ермаков). 

Бывает так, что детский энтузиазм не знает границ. Гопи, главный герой рассказа, как раз из таких любознательных озорников. Интересно же, как устроены крылышки у бабочки, что будет с котёнком, если дернуть его за ухо…

Пара движений художницы (Екатерина Шеффер) оживляет песчаные крупицы на небольшом столе, изображение которого выведено на экран в глубине сцены. Каждый штрих на полотне обрастает новыми узорами, мгновенно сменяя крылья бабочки оскалом тигра. Никогда не узнаешь, чем обернётся новый завиток песочной магии. Музыкальные композиции, словно волны в прилив, то наступают, являя тему страшной опасности, грозящей герою, то мирно возвращаются в морское лоно, освобождая пространство единоличному голосу рассказчика.

Следующий спектакль получил приз зрительских симпатий. Московский театр «ФЭСТ» представил «Дни Турбиных» в режиссуре Максима Ладо. События частной жизни семьи Турбиных на фоне тотальных перемен в мире происходят в этом спектакле не в просторной квартире, о которой говорит Лариосик (Николай Буланов), а в небольшом пространстве гостиной, словно вырезанном из дома. Куцым углом стоит в центре сцены этот оплот видимой безопасности и закрывает его жителей от Петлюры, немецких офицеров и большевистской Красной армии. Было бы самонадеянно убеждать себя, что они спрячутся в нём от всех сил, движущихся на город, и герои, словно понимая это, постоянно вращают декорацию, являя попеременно её фасад серых стен с одиноким фонарём и интерьер с красными обоями и скромным домашним обиходом. И каждый такой оборот вокруг себя предвещает появление или исчезновение героев – в этом доме нет ощущения безопасности, он словно насквозь прошивается событиями, происходящими за его пределами. И Турбины и их гости не замечают, как они выходят за пространство квартиры, оказываясь в условном мира вне дома, где произносятся сокровенные монологи, шёпотом звучат последние слова перед смертью от ранения и совершаются признания в любви.  

В онлайн-формате были показаны спектакли из Минска и Бишкека. Республиканский театр белорусской драматургии представил спектакль «Альпийская баллада», поставленный по одноимённой повести Василя Быкова. Постановка Светланы Науменко — это, прежде всего, история о хрупкости человеческой жизни. Побег советского военнопленного и итальянской девушки из нацистского концлагеря разворачивается на сцене как поэтическая притча. Режиссёрский замысел балансирует на грани документальной достоверности и условности. Лагерь и альпийские пейзажи переданы не через натуралистичные декорации, а через лаконичные, почти абстрактные элементы, создающие ощущение ловушки.  Зритель попадает в атмосферу тотального напряжения и страха. Панические атаки то и дело схватывают челюсти Ивана (Александр Никоненко), но желание сбежать — сильнее. Джулия (Юлия Лазовская), несмотря на ужасы военного времени, не утрачивает способность искренне смеяться и искренне сочувствовать. Ее душевных сил хватает на то, чтобы стать опорой для Ивана.  И два этих гонимых человека оказываются сильнее страха, сильнее смерти. Да, Ивану спастись не удалось, но его жизнь, его любовь к Джулии будет продолжаться в их сыне. 

Актёрский дуэт Александра Никоненко и Юлии Лазовской — большая удача этой постановки. Тот случай, когда актёрам подвластны любые режиссёрские задачи. Одни сцены сгущаются ужасом, другие освещаются нежностью. И здесь речь не столько о световых эффектах или видеопроекции, сколько о силе актёрского таланта.

Русский театр драмы имени Чингиза Айтматова из Бишкека представил спектакль «В чаще» по рассказам Акутагавы Рюноскэ в режиссуре Гаухар Ажигуловой. В глубине закутанной темнотой сцены под мерное звучание флейты проступают очертания лесной глуши. Сама зелень рощи скромно ютится на арьерсцене, и лишь пара ветвей напоминают о месте действия спектакля. Остальное пространство вобрала в себя чернота, окружившая актёров и впускающая зрителя в игру на перекрестье рассказов японского писателя Акутагавы Рюноскэ. Режиссёр, создав единую историю, не разделяет происходящее на сменяемые эпизоды, а наслаивает их друг на друга, объединяя общим пространством. В чащу забредают и женщина (Зарема Акмашаева), обесчещенная бандитом, и юный Гои (Амир Шавкиев), мечтающий о бататовой каше – пище богачей. Сеть, захватившая пространство перед изображением редких деревьев, словно сплетает жизни героев и создаёт притчевый нарратив, ведущий их. Освещённые тусклым огнём уличных фонарей в японском стиле, они сами рассказывают о себе. Гои, стремящийся «нажраться до отвалу», получив желаемое и даже сверх того, отталкивает настойчивые руки с мисками. Словно шах, поймавший золотую антилопу, Гои уже ненавидит эту кашу, бывшую ранее пределом мечтаний. 

А рассказ «В чаще», ставший стержнем спектакля, в интерпретации режиссёра уже не детектив, а мистическая история, где дух (Дмитрий Малько), самурай (Максим Лисовский) и женщина – это не элементы показаний очевидцев загадочного убийства в лесной роще, а сложносоставное единое происшествие. Все сюжеты сливаются в единый мир произведений японского писателя и знакомят с ним зрителя, фокусируясь именно на собирательном ощущении от литературы Рюноскэ. Ключевой темой спектакля становится хитросплетение взаимоотношений героев, попавших в условное пространство чащи. Зрителю также предстоит заглянуть за ветви и уловить шарм японской культуры.

Пушкинский музыкально-драматический театр привёз оперетту «Севастопольский вальс». Постановка Бориса Урецкого – настоящий триумф музыкальной стихии. Режиссёр создаёт мир, в котором гармонично сочетаются лирика, юмор и любовная драма. Постановка отличается динамичностью и стремительностью, несмотря на внушительную продолжительность спектакля. Сценическое оформление переносит зрителя сначала в осаждённый Севастополь, а затем в мирный послевоенный город. Каждый элемент спектакля работает на подчёркивание контраста — свет, то ужасающе мигающий, то тепло согревающий; музыка, то заставляющая воспрять духом, то переносящая в мир простого счастья, где в воздухе витает романтика послевоенной надежды. Спектакль «Севастопольский вальс» — это очаровательный союз музыкального и драматического начал. 

Фестиваль «Золотая провинция» в этом году вновь доказал, что искусство способно объединять, вдохновлять и открывать новые горизонты. Основной темой фестиваля стало 80-летие Великой Победы. Были показаны спектакли по произведениям русской и зарубежной классики. Несмотря на разнообразие жанров и стилей, всех участников объединило главное — желание говорить со зрителем на важные темы.

Фото: соцсети театров

Авторы

Иван Егоров

Нурия Ямилова